El
resonador zumbó, desgarrando la membrana de nuestra realidad. De pronto, el
aire se pobló de formas translúcidas y parásitos amorfos que orbitaban mi
habitación. Eran depredadores de una frecuencia prohibida, observándome con
hambre infinita. Al intentar apagar la máquina, vi cómo una de esas entidades
se materializaba frente a mí, preparándose para reclamar el trozo de carne que
soy.
FDL 2026
(Mother Mary, David Lowery, 2026)
La película narra
la historia de una famosa estrella del pop y su compleja relación con una
prestigiosa diseñadora de moda. Pero, bajo la superficie de este drama humano,
late una extraña corriente de ficción introspectiva y horror existencial que
hace que la cinta se fracture constantemente.
La misma es una
montaña rusa emocional. Salta de un drama musical íntimo y sutil a secuencias
de surrealismo puro que rozan el body-horror con algo de terror religioso. Para
muchos espectadores, este cambio de registro resulta desconcertante; la cinta
se siente como tres películas diferentes que intentan ocupar el mismo espacio
al mismo tiempo.
El caos narrativo
funciona como una herramienta de inmersión que confunde. El montaje es
agresivo, a veces rompe la continuidad temporal o emocional, obligándonos a
sentir la misma desorientación que sufren sus protagonistas, atrapadas en el
ojo del huracán de la fama y la presión creativa.
Visualmente es
impecable, pero se siente
sobrecargada de metáforas, pretenciosa y por momentos parece una obra de teatro
escrita para dos personajes.
Los números musicales constituyen uno de
los aspectos destacados de la película y tienen gran factura, aunque las
referencias religiosas puedan parecer desmedidas en una historia que no termina
de cerrar y a la que le parecen sobrar muchos minutos.
Una producción interesante,
pero para ver con reservas. No es para todos los públicos.
(Brainscan, John Flynn, 1994)
La historia sigue
a Michael (Edward Furlong), un adolescente solitario, fanático del terror y los
videojuegos, que prueba un nuevo juego interactivo llamado
"Brainscan". El juego promete una experiencia de realidad virtual
inmersiva y terrorífica, pero el problema comienza cuando los crímenes que
Michael comete dentro del juego empiezan a suceder en la vida real.
Brainscan es una película
que solo un amante del cine de los 90 podría amar. No es una obra maestra del
suspenso, ni del terror, y sus efectos de realidad virtual no han resistido el
paso del tiempo, pero tiene un encanto nostálgico innegable. Es una crítica (a
veces inconsciente) sobre cómo la tecnología empezaba a aislar a los jóvenes,
envuelta en un envoltorio de cine de terror de videoclub.
El film, que
duda entre ser comedia, terror tecnológico o thriller adolescente, es ruidosa, un
poco tonta, pero disfrutable si se ve con la actitud correcta: la de alguien
que quiere recordar cuando los videojuegos eran algo peligroso y desconocido.
El villano de la
película, una creación digital que cobra vida para atormentar a Michael, es una
mezcla descarada entre Freddy Krueger y un presentador de MTV. Es un personaje
exagerado, sarcástico y mordaz, puede resultar a veces irritante.
Una curiosidad
para ver sin muchas pretensiones.
(The Norliss Tapes, Dan Curtis, 1973)
Pieza
fundamental para cualquier estudioso del horror televisivo de los años 70.
Originalmente concebida como el piloto de una serie que nunca llegó a despegar,
funciona como un largometraje independiente que captura a la perfección esa
atmósfera de misterio paranormal que caracterizó a la época.
La película
utiliza una estructura narrativa muy efectiva: David Norliss, un escritor de
temas ocultos desaparece sin dejar rastro. Lo único que queda de él son una
serie de cintas de audio que narran su investigación sobre un caso reciente que
involucra a una viuda, un escultor y el inquietante resurgir de un muerto con
sed de venganza.
Dan Curtis era
un maestro en convertir decorados televisivos limitados en espacios cargados de
amenaza. La película es sombría, seria y se toma su propia mitología
sobrenatural muy en serio, lo que ayuda a que el espectador también lo haga.
A diferencia de
otras producciones de la época que se refugiaban en castillos, The Norliss
Tapes traslada el horror a un entorno contemporáneo de los años 70. Los
muebles modernos, las grabadoras de cinta y los coches de la época actúan como
un anclaje que hace que lo sobrenatural se sienta más intrusivo y perturbador.
Roy Thinnes aporta
una intensidad contenida y un aire de investigador obsesivo que vende la
premisa. Es fácil creer que este hombre ha visto cosas que romperían la mente
de una persona normal.
Al ser un
producto pensado para la televisión, el ritmo es lento y pausado. No esperen
sobresaltos constantes; es un horror que se cuece a fuego muy lento.
Una joya oculta
del horror televisivo, obligatoria para quienes disfrutan de los misterios
sobrenaturales de corte detectivesco y la estética de los 70.
(Fasandræberne, Mikkel Nørgaard, 2014)
Esta producción tiene
la difícil tarea de superar el impacto de la primera, Misericordia. Si bien
esta era un estudio sobre el aislamiento y el trauma individual, Profanación
expande el universo del Departamento Q hacia el territorio del thriller
político y social, demostrando que el frío de Dinamarca esconde demasiados secretos.
La trama nos lleva
a un caso de hace veinte años: el brutal asesinato de dos gemelos en una cabaña
remota. Aunque un hombre confesó y el caso se cerró, el padre de las víctimas
se suicida tras entregarle a Carl Mørck una serie de documentos que apuntan a
que los verdaderos culpables —jóvenes pertenecientes a la élite social danesa
de la época— quedaron impunes.
Mientras que Misericordia
era un rompecabezas más íntimo, Profanación se siente más grande y
ambiciosa. El conflicto entre la justicia y el poder de las clases altas añade
una capa de indignación que hace que el espectador se involucre emocionalmente
mucho más en la investigación.
A diferencia de la primera película, aquí los antagonistas no son locos solitarios, sino depredadores sociales protegidos por el sistema. Esto genera una sensación de impotencia muy efectiva y un tono de thriller de venganza que funciona a la perfección.
La película no
escatima en crudeza. El nivel de violencia es más directo que en la anterior,
lo que puede resultar difícil de digerir para algunos espectadores.
Imprescindible si te gustó la primera; más
oscura, más valiente y mucho más satisfactoria en su resolución.
(The Mutations/
The Freakmaker, Jack Cardiff, UK, 1974),
Es una producción que se sitúa en la frontera entre la ciencia ficción
macabra y el drama de explotación más sórdido. La trama sigue al profesor
Nolter (Donald Pleasence), un científico obsesionado con la idea de que la
humanidad puede evolucionar mediante la integración de ADN vegetal. Para llevar
a cabo sus experimentos, el doctor utiliza como sujetos de prueba a jóvenes
estudiantes, a quienes transforma en criaturas aberrantes con la ayuda de los
peculiares integrantes de un circo de fenómenos (freaks).
Si bien la
intención es aterradora, el maquillaje de los hombres-planta (con esas verrugas
y texturas de látex) hoy en día resulta un tanto cómico. Se nota el esfuerzo,
pero el resultado final roza lo risible en lugar de lo terrorífico.
La película
dedica mucho tiempo a las dinámicas internas del circo, y la relación que
mantienen los jóvenes estudiantes, y que a veces, se sienten desconectadas del
horror central. Es un filme que tarda en arrancar y que requiere paciencia por
parte del espectador.
Es una obra que se disfruta principalmente por su
atmósfera y por el elenco: Pleasence brilla en su papel y Tom Baker pone el
cuerpo de muy buena manera a la siniestra figura de Lynch. Sin embargo, la
historia resulta bastante convencional y está poco lograda.
Un visionado
obligado para seguidores del cine B, los freaks, y de la scream queen Julie
Ege.
(Gangnam Zombie,
Soo Sung Lee,
Corea, 2023)
Tras el fenómeno
global de Train a Busan, este film intenta seguir bebiendo del género a
cualquier precio. Lamentablemente, es una producción que se queda a medio
camino en todo lo que intenta.
La premisa suena
prometedora: un brote de zombis en un lujoso edificio de oficinas en el
distrito de Gangnam, Seúl. Sin embargo, lo que promete ser una crítica social
sobre la vida corporativa o una película de acción frenética, termina siendo un
ejercicio de bajo presupuesto que apenas logra sostener la atención.
La película
ocurre casi exclusivamente dentro de un edificio de oficinas dentro de un
shopping. Aunque esto puede crear una atmósfera claustrofóbica, aquí se siente
más como una limitación presupuestaria. Los pasillos y oficinas se vuelven
repetitivos y la falta de extras hace que el apocalipsis se sienta más
como una pequeña riña de oficina que como un fin del mundo.
Sus personajes arquetípicos,
no generan mucha empatía: Tenemos al protagonista valiente, a la mujer fuerte y
al jefe insoportable y acosador; el compañero tonto, la señora rica muy mala, y
líder contaminado que aparece por sin lógica por cualquier lado. No hay demasiada
profundidad en ellos, y la mayoría de sus decisiones suelen estar guiadas
únicamente por la conveniencia del guion para que la trama avance hacia la
siguiente escena de pelea.
Estación Gangnam
es una película que solo recomendaría a los seguidores del género zombi o a
quienes tengan una tarde libre y busquen algo que no requiera mucho análisis.
No es mala, es aceptable,
pero está muy lejos de convertirse en un referente.
Llegué al hotel al caer la noche, siguiendo una ruta que no aparecía en ningún mapa.
Las ventanas brillaban como si guardaran
veranos de otras décadas.
Una mujer, muy pálida, pero de sonrisa tranquila me entregó una llave sin
número. Caminé sin rumbo. En los pasillos, los huéspedes hablaban de viajes que
nunca habían realizado.
Cada puerta conducía a una fiesta distinta,
pero siempre sonaba la misma melodía perdida.
Intenté recordar por qué
había llegado allí, y descubrí que mi memoria estaba llena de habitaciones
silenciosas.
(Kvinden i
buret, Mikkel Nørgaad, 2013)
La historia presenta a Carl Mørck, un detective brillante
pero profundamente cínico y difícil, que, tras un operativo fallido que deja a
su compañero paralítico, es relegado a un sótano oscuro: el Departamento Q. Su
tarea es archivar casos sin resolver. Sin embargo, su instinto (y la
insistencia de su peculiar ayudante, el enigmático Assad) lo lleva a reabrir el
caso de Merete Lynggaard, una política desaparecida cinco años atrás.
Este es el punto
de partida de la saga de thrillers nórdicos más exitosa de la última
década. Basada en la novela de Jussi Adler-Olsen, la película logra lo que
pocos policiacos consiguen: trasladar la atmósfera fría, gris y opresiva
de la literatura escandinava a la pantalla sin perder un ápice de su amargura.
Se destacan la química
entre Nikolaj Lie Kaas (el hosco Mørck) y Fares Fares (el optimista y perspicaz
Assad) que es el motor de la saga. El contraste entre el retraimiento de uno y
la paciencia casi estoica del otro evita que la película caiga en el cliché del
detective solitario.
La cinta alterna
constantemente entre la investigación presente y el calvario de la víctima en
el pasado. Esto mantiene una tensión constante que no decae, obligándonos a ver
cómo el tiempo, lejos de curar, pudre la esperanza.
Misericordia es un thriller
sólido, serio y sin concesiones. No busca el artificio ni la acción gratuita;
se basa en la atmósfera y en la lenta pero implacable revelación de secretos
guardados durante años. Es una entrada perfecta para quienes buscan un misterio
que se sienta real, crudo y con un tono de tristeza bastante marcado.
(Dust Bunny, Bryan
Fuller, USA, 2025)
La premisa es simple: una niña de ocho años
cree que un monstruo bajo su cama se comió a su familia. Desesperada, va en
busca de su vecino, un hombre solitario y enigmático, para que la ayude a cazar
a la criatura. Sin embargo, en manos de Fuller, esto se convierte en una odisea
surrealista donde la frontera entre el trauma infantil y lo sobrenatural se
disuelve por completo.
El film prioriza el tono y la textura sobre
la lógica pura de la trama. Es una obra que se siente "fuera de su
tiempo", recuperando esa fascinación por el horror que nace de lo
doméstico y lo psicológico. Aunque a veces puede pecar de ser demasiado
"estética" (rozando lo pretencioso en algunas secuencias), se
agradece el riesgo de ofrecer un horror que no depende de los jump scares
baratos, sino de una inquietud constante. Es, en esencia, un cuento de hadas
oscuro y retorcido para adultos. Un festín visual que rompe con ciertos moldes
del horror comercial. El cierre es tan ambiguo como poético, lo cual puede ser
frustrante para algunos, pero fascinante para quienes disfrutan de las
historias que no brindan las respuestas y dejan la interpretación libre al
espectador.
Se lucen, asimismo, Mads Mikkelsen
interpretando al extraño vecino con una mezcla de melancolía y peligro latente;
su presencia física es, como siempre, impecable, logrando transmitir una
vulnerabilidad poco habitual en su filmografía. La estética, con claras
influencias del cine de David Lynch, transforma lo cotidiano en algo amenazante
y extraño. Finalmente, Sigourney Weaver aporta una autoridad gótica que evoca a
las grandes damas del misterio clásico, pero con un giro moderno y cínico.
(The Wasp Woman,
Jim Wynorski, 1995)
Si la versión original de 1959 es un clásico del cine de
serie B de bajo presupuesto, este remake de 1995 (producido nuevamente Roger
Corman para su serie Roger Corman Presents) es un ejemplo perfecto del
terror erótico y visceral que poblaba las madrugadas de la televisión por cable
en los años 90.
Dirigida por el
rey del bajo presupuesto Jim Wynorski, esta versión cambia el encanto ingenuo
de los 50 por una premisa más cínica, mordaz y sangrienta, en la que muestra la
obsesión de la sociedad por la juventud eterna y los estándares de belleza
inalcanzables.
Janice Starlin (Jennifer Rubin), la dueña de
un imperio de cosméticos en declive ve cómo sus ventas caen a medida que ella
envejece. Desesperada por recuperar su atractivo y salvar su empresa, acepta
ser el conejillo de indias de un científico que ha desarrollado un suero basado
en encimas de avispa reina. El tratamiento es un éxito milagroso: Janice vuelve
a lucir como una mujer de veinte años. Sin embargo, el suero tiene un efecto
secundario catastrófico: por las noches, se transforma en una criatura
insectoide sedienta de sangre.
The Wasp Woman es
una cápsula del tiempo del cine de género de los 90. No intenta superar a la
original en atmósfera, sino en impacto visual y erotismo. Es una película de
monstruos sin más, que sabe que su público busca ver a una mujer hermosa
convirtiéndose en un bicho asesino, y entrega exactamente eso. Es ideal para
una sesión doble de "cine de medianoche" junto con otras joyas de la
factoría Corman de esa década. No hay giros filosóficos ni nada por el estilo,
la película sigue el camino marcado del "científico loco" y la
"monstruo femenina" sin desviarse ni un milímetro.
(Pretty Lethal, Vicky Jewson, 2026)
Producida por el
sello 87North (responsables de John Wick y Nadie), la
película intenta fusionar la elegancia técnica del ballet con la brutalidad
visceral de un thriller de supervivencia. La premisa es sencilla: un
grupo de cinco bailarinas de Los Ángeles queda varado en los bosques de
Hungría; lo que comienza como una parada técnica se convierte en una carnicería
cuando una organización criminal las toma como rehenes.
De ahí en más,
la narrativa se diluye. Las escenas de acción, aunque espectaculares, pecan de
un exceso de estilización y villanos genéricos que restan peso emocional. Los
sicarios húngaros no son amenazas reales, sino meros muñecos de entrenamiento
para que las protagonistas luzcan sus habilidades. Además, el filme sufre de un
ritmo desigual: el primer acto se pierde en establecer rencillas internas y
diálogos sobre rivalidad social que resultan acartonados frente a la urgencia
de la trama.
Lo que la sostiene:
Pretty Lethal acaba siendo un
híbrido interesante pero limitado. No posee la profundidad dramática de Cisne
Negro ni la perfección técnica revolucionaria de John Wick, pero
logra habitar un espacio propio gracias a su potente estética visual. Es una
película que, en última instancia, brilla cuando deja de hablar y empieza a
golpear. Un ejercicio de estilo que cumple como entretenimiento pasajero, pero
que se queda corto al intentar dotar de alma a sus personajes.
Aceptable. Ideal
para quienes buscan un festín visual de coreografías imposibles y no esperan
una historia que cambie sus vidas.
(Blacula, William Crain, 1971)
Curiosa blaxplotation
que adapta la novela de Stoker a los años 70`s.
En 1780, el príncipe africano Mamuwalde (William
Marshall) viaja a Transilvania para pedirle al Conde Drácula que le ayude a
detener el comercio de esclavos. El Conde, en un acto de racismo y sadismo
puro, lo maldice con el vampirismo, lo encierra en un ataúd y lo condena a una
sed eterna.
Doscientos años
después, en 1972, dos decoradores de interiores de Los Ángeles compran el
contenido del castillo de Drácula y, sin saberlo, liberan a Mamuwalde en un
mundo de peinados afro, música funk y clubes nocturnos. Allí, el príncipe cree
encontrar en una mujer llamada Tina la reencarnación de su esposa perdida,
iniciando una búsqueda de amor y sangre.
Los Puntos Clave:
Blacula es una
película de contrastes marcados. Por un lado, arrastra los defectos inevitables
de una producción de bajo presupuesto de principios de los 70: efectos
especiales modestos, actuaciones secundarias que no siempre dan la talla y un
ritmo que, por momentos, se siente desigual.
Sin embargo, lo
más cuestionable es la nula transición en el arco de los personajes y ciertas
situaciones que resultan inverosímiles incluso dentro del cine fantástico.
Llama la atención que Mamuwalde, tras despertar en un país extraño y varios
siglos después de su tiempo, parezca no asombrarse ante nada. Se comunica con
total normalidad y se integra al entorno de 1972 sin el más mínimo atisbo de
choque cultural, un atajo narrativo que le resta realismo a su condición de
"hombre fuera de su tiempo".
Todo lo anterior
se compensa con la excelente química de la pareja protagonista y una
ambientación urbana impecable. La película brilla cuando captura la esencia de
las calles y los bares de Los Ángeles de la época, dotando a la cinta de una
identidad visual y sonora única.
Más que una
película de terror —género que nunca termina de abrazar por completo—, estamos
ante una historia de amor trágica disfrazada de cine de monstruos.
El final es
especialmente potente. Logra alejarse de los caminos trillados de este tipo de
relatos, ofreciendo una resolución que tiene más de dignidad y sacrificio que
de simple derrota del villano.
Sin dudas es una
pieza fundamental del cine de terror setentero que merece ser revisada sin
prejuicios. Visualmente icónica.
Un simple slasher de la era dorada, sin mucho
vuelo, que apenas se destaca por contar con la presencia de la "Scream
Queen", Jamie Lee Curtis.
La
película toma la fórmula clásica de "venganza por una broma pesada"
(muy común tras el éxito de Prom Night) y la traslada a un escenario
único: un tren en movimiento durante una fiesta de Nochevieja.
Tres
años después de que una cruel broma de iniciación dejara a un estudiante de
medicina traumatizado, los responsables de aquel acto celebran su graduación en
un tren privado alquilado para una fiesta de disfraces. Lo que no saben es que
un asesino se ha colado a bordo. La peculiaridad del criminal es su modus
operandi: mata a un invitado y le roba el disfraz, lo que le permite
esconderse a plena vista entre los estudiantes mientras los elimina uno a uno.
Llama la atención
de la presencia de David Copperfield, sí, el famoso mago aparece interpretando
a un... mago. Sus trucos añaden un toque surrealista y bastante relleno a la
narrativa.
No es tan sangrienta como Viernes 13,
ni tan revolucionaria como Halloween, el giro final no es tan inquietante
y lo que la diferencia de otras producciones es su atmósfera invernal/ferroviaria.
El principal problema es
que, pese a lo claustrofóbico que puede resultar el viaje, la película no logra
generar un suspenso real y las boberías de algunos personajes hace que el
espectador pierda interés en la trama. Estrictamente una más…
(Soylent Green, Richard Fleischer,1973).
Esta
una de las distopías más asfixiantes y proféticas de la historia del cine.
Aunque se ambientaba en un entonces lejano 2022, verla hoy resulta
escalofriante por lo acertado de su atmósfera de colapso ambiental y social.
Basada
libremente en la novela ¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio! de Harry Harrison,
la película es una mezcla magistral de cine negro policial y ciencia ficción
sociológica. Es una obra que no solo busca entretener, sino lanzar una
advertencia desesperada sobre el rumbo de la humanidad.
Nueva
York, año 2022. La ciudad tiene 40 millones de habitantes. El calor es
constante debido al efecto invernadero, el agua está racionada y la comida real
es un lujo que solo el 1% puede pagar. El resto de la población sobrevive a
base de raciones de Soylent, un alimento procesado por una corporación
todopoderosa.
Robert
Thorn (Charlton Heston), un detective de policía cínico y endurecido investiga
el asesinato de un ejecutivo de la corporación Soylent. Lo que parece un robo
rutinario lo lleva a descubrir una verdad conspiranoica que cambiará su
percepción de la supervivencia humana.
Lo que la hace una Obra Maestra:
A diferencia de las distopías modernas llenas de efectos visuales limpios, aquí todo se siente sucio, sudoroso y claustrofóbico. La falta de recursos no se cuenta, se palpa en cada encuadre.
Un
clásico oscuro y pesimista que todo el mundo debería ver al menos una vez. Es
cine con mensaje, pero con el puñetazo directo al estómago que solo el cine de
los 70 sabía dar.
No
fue un beso lo que la cambió.
Fue
la noche.
Una
noche tan honda que devoraba los sonidos, las luces, las plegarias.
Ella
lo vio entre las sombras:
un
rostro pálido, unos ojos como espejos sin fondo.
No
sintió miedo —sólo reconocimiento.
Era
como mirarse en un reflejo anterior al tiempo.
Cuando
él la tocó, la sangre se volvió música.
El
corazón, un tambor lento que ya no quería detenerse.
Ella
cerró los ojos y entendió:
no
era su víctima, era su elegida.
Desde
entonces camina por las calles desiertas,
con
la piel fría, los labios teñidos de luna,
y el
deseo ardiendo bajo el silencio.
Ama
la oscuridad porque es lo único que no la traiciona.
Ama
la oscuridad porque allí él aún la espera.
Y
cuando la noche la envuelve por completo,
siente
su aliento en el cuello,
su
nombre pronunciado con un hambre sagrada.
Entonces
sonríe.
Porque
el amor, para ella,
siempre
tuvo forma de sombra.
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Derechos reservados
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