Brainscan/Mente Asesina

 

(Brainscan, John Flynn, 1994)

   La historia sigue a Michael (Edward Furlong), un adolescente solitario, fanático del terror y los videojuegos, que prueba un nuevo juego interactivo llamado "Brainscan". El juego promete una experiencia de realidad virtual inmersiva y terrorífica, pero el problema comienza cuando los crímenes que Michael comete dentro del juego empiezan a suceder en la vida real.

   Brainscan es una película que solo un amante del cine de los 90 podría amar. No es una obra maestra del suspenso, ni del terror, y sus efectos de realidad virtual no han resistido el paso del tiempo, pero tiene un encanto nostálgico innegable. Es una crítica (a veces inconsciente) sobre cómo la tecnología empezaba a aislar a los jóvenes, envuelta en un envoltorio de cine de terror de videoclub.

   El film, que duda entre ser comedia, terror tecnológico o thriller adolescente, es ruidosa, un poco tonta, pero disfrutable si se ve con la actitud correcta: la de alguien que quiere recordar cuando los videojuegos eran algo peligroso y desconocido.

  El villano de la película, una creación digital que cobra vida para atormentar a Michael, es una mezcla descarada entre Freddy Krueger y un presentador de MTV. Es un personaje exagerado, sarcástico y mordaz, puede resultar a veces irritante.

   Una curiosidad para ver sin muchas pretensiones.  

Ataque zombie, estación Gangnam

 

(Gangnam Zombie, Soo Sung Lee, Corea, 2023)

   Tras el fenómeno global de Train a Busan, este film intenta seguir bebiendo del género a cualquier precio. Lamentablemente, es una producción que se queda a medio camino en todo lo que intenta.

   La premisa suena prometedora: un brote de zombis en un lujoso edificio de oficinas en el distrito de Gangnam, Seúl. Sin embargo, lo que promete ser una crítica social sobre la vida corporativa o una película de acción frenética, termina siendo un ejercicio de bajo presupuesto que apenas logra sostener la atención.

   La película ocurre casi exclusivamente dentro de un edificio de oficinas dentro de un shopping. Aunque esto puede crear una atmósfera claustrofóbica, aquí se siente más como una limitación presupuestaria.    Los pasillos y oficinas se vuelven repetitivos y la falta de extras hace que el apocalipsis se sienta más como una pequeña riña de oficina que como un fin del mundo.

   Sus personajes arquetípicos, no generan mucha empatía: Tenemos al protagonista valiente, a la mujer fuerte y al jefe insoportable y acosador; el compañero tonto, la señora rica muy mala, y líder contaminado que aparece por sin lógica por cualquier lado. No hay demasiada profundidad en ellos, y la mayoría de sus decisiones suelen estar guiadas únicamente por la conveniencia del guion para que la trama avance hacia la siguiente escena de pelea.

   Estación Gangnam es una película que solo recomendaría a los seguidores del género zombi o a quienes tengan una tarde libre y busquen algo que no requiera mucho análisis.  

   No es mala, es aceptable, pero está muy lejos de convertirse en un referente.

Los casos del Departamento Q: Misericordia

 

(Kvinden i buret, Mikkel Nørgaad, 2013)

 

   La historia presenta a Carl Mørck, un detective brillante pero profundamente cínico y difícil, que, tras un operativo fallido que deja a su compañero paralítico, es relegado a un sótano oscuro: el Departamento Q. Su tarea es archivar casos sin resolver. Sin embargo, su instinto (y la insistencia de su peculiar ayudante, el enigmático Assad) lo lleva a reabrir el caso de Merete Lynggaard, una política desaparecida cinco años atrás.

   Este es el punto de partida de la saga de thrillers nórdicos más exitosa de la última década. Basada en la novela de Jussi Adler-Olsen, la película logra lo que pocos policiacos consiguen: trasladar la atmósfera fría, gris y opresiva de la literatura escandinava a la pantalla sin perder un ápice de su amargura.

   Se destacan la química entre Nikolaj Lie Kaas (el hosco Mørck) y Fares Fares (el optimista y perspicaz Assad) que es el motor de la saga. El contraste entre el retraimiento de uno y la paciencia casi estoica del otro evita que la película caiga en el cliché del detective solitario.

   La cinta alterna constantemente entre la investigación presente y el calvario de la víctima en el pasado. Esto mantiene una tensión constante que no decae, obligándonos a ver cómo el tiempo, lejos de curar, pudre la esperanza.

   Misericordia es un thriller sólido, serio y sin concesiones. No busca el artificio ni la acción gratuita; se basa en la atmósfera y en la lenta pero implacable revelación de secretos guardados durante años. Es una entrada perfecta para quienes buscan un misterio que se sienta real, crudo y con un tono de tristeza bastante marcado.

Vivarium

 

(Vivarium, Lorcan Finnegan, USA, 2019)

Vivarium es un ejercicio de ciencia ficción existencialista, que se siente como un episodio alargado de Black Mirror con una dosis pesada de angustia suburbana.

   La película comienza presentando a una joven pareja que busca la casa perfecta para formar su futuro. Su búsqueda los lleva a una inmobiliaria peculiar, donde un agente extrañamente servil los convence de visitar Yonder, una urbanización recién construida y totalmente uniforme, donde todas las casas son idénticas y de un color verde menta enfermizo.

Al llegar a la casa número 9, el agente desaparece, dejando a Gemma y Tom atrapados en un laberinto infinito de calles idénticas y casas vacías. Su prisión se convierte en una pesadilla existencial cuando una caja misteriosa les entrega un bebé, con la nota: "Críen al niño y serán liberados".

   El gran valor de Vivarium reside en su crítica social brutal envuelta en terror: la monotonía de la vida tradicional, adulta, donde la ambición se consume por la rutina, la hipoteca y la repetición interminable de los días.  

   Sólo para amantes de distopías psicológicas con mensaje social, dispuestos a tolerar un ritmo pausado, sin acción ni respuestas fáciles.  

La invasión de los hombres del espacio

(Invasion of the Saucer-Men, Edward L. Cahn, 1957)

   Es un pequeño clásico de la ciencia ficción y el terror de Serie B de los años 50, producido por la legendaria American International Pictures (AIP).

   La trama se desarrolla durante una sola noche. Todo comienza cuando una pareja de adolescentes, Johnny y Joan, atropella accidentalmente a un pequeño alienígena mientras se dirigen a Lover's Point. Al ir a buscar ayuda, los compañeros del alien (de grandes cabezas bulbosas y ojos protuberantes) intentan encubrir el incidente: asesinan a un oportunista local y utilizan su cuerpo para culpar a los jóvenes de homicidio vehicular. Los adolescentes intentan advertir a la policía, pero al no ser creídos por los adultos incompetentes, recae en ellos la responsabilidad de detener a los invasores.

   Los alienígenas bizarros son las verdaderas estrellas. Con sus cabezas gigantescas y venosas, y sus ojos enormes, son una creación inolvidable del genio de los efectos de bajo presupuesto, Paul Blaisdell.

   Aunque la película se inició con un tono más serio, rápidamente devino en una comedia de terror de bajo presupuesto. El resultado es una peculiar y divertida burla a la paranoia de la época, que presenta a los adultos como figuras ineptas (policías y militares) y a los adolescentes como los únicos héroes capaces de salvar el día.

   Los momentos más peculiares son ya icónicos de culto: alienígenas inyectando alcohol puro con sus uñas de aguja, o un toro de granja que se enfrenta a ellos. La película abraza su premisa más inverosímil con entusiasmo.

   Este es un ejemplo de producción de muy bajo presupuesto, pero su creatividad y estilo desenfadado lo convierten en un film fundamental dentro del género, sentando las bases para mucho del cine de monstruos y alienígenas que vendría después.

El hombre que vio llorar a Frankenstein

 (El hombre que vio llorar a Frankenstein, Angel Agudo, 2010).

   “El hombre…” es un documental revelador que explora la vida y legado de Paul Naschy, una figura clave del cine de terror español. A través de testimonios y material de archivo, la película ofrece una mirada profunda a aspectos poco conocidos de su vida personal, incluyendo su infancia, su amor por el cine y su incansable dedicación al género fantástico.

   Lo que hace especial a esta producción, es su capacidad para presentar detalles íntimos de Naschy, permitiendo que el espectador descubra facetas menos exploradas de su personalidad y trayectoria. Es una obra ideal para aquellos que desconocían su historia y desean comprender el impacto que tuvo en el cine de terror a nivel internacional.

   En definitiva, El hombre que vio llorar a Frankenstein no solo brinda información, sino que también rinde un emotivo homenaje a un creador apasionado, mostrando la lucha y el talento de un hombre que dejó una huella imborrable en el género.

Doctor Goldfoot y su máquina de bikinis

 

(Dr. Goldfoot and the Bikini Machine, Norman Taurog, USA, 1965) 

El excéntrico Dr. Goldfoot (Vincent Price, en modo caricatura) ha creado una legión de robots femeninos en bikinis dorados, diseñados para seducir y desposar a millonarios ingenuos, y así robarles sus fortunas. Pero su plan se ve amenazado por Craig Gamble (Frankie Avalon), un agente secreto torpe y atractivo que se ve envuelto en esta trama por accidente.

   La película es una sátira del cine de espías tipo James Bond, mezclada con el espíritu playero de las comedias juveniles de esos años. El resultado: un cóctel de colores chillones, efectos especiales elementales, persecuciones ridículas y humor físico.

  Vincent Price se luce y se divierte como nunca en su papel de villano, exagerando cada gesto con deliciosa teatralidad y Susan Hart como la robot número 11, aportando encanto y elegancia, a pesar de que su personaje sea más decorativo que narrativo.

   Para ver con lo ojos de esos años.

La Gata/The cat creature

 

(The cat creature, Curtis Harrington, 1973)

Un grato telefilm que me quedó marcado en la memoria desde muy chico, visionado en aquellas noches de sábados de terror.

La historia es simple: un ladrón de antigüedades roba del pecho de una momia un collar/amuleto que la mantenía aprisionada. Después de eso empiezan a morir a manos de algún tipo de felino aquellos que estuvieron relacionados con este hecho y todo conduce a una tienda donde se comercializan estos objetos, a cargo de una mujer de presencia enigmática.

Un detective y un profesor de la universidad comienzan a investigar el caso llegando a siniestras conclusiones. No habrá de faltar un rápido e idílico romance del profesor y la nueva ayudante del negocio de antigüedades, forzado pero que ayuda a la trama y no mucho más.

Curtis Harrington, director de clásicos como Queen of blood (1966) y Voyage to the prehistoric planet (1965), imprimió a esta producción una atmosfera cercana a los films de la Hammer y consiguió momentos muy interesantes, considerando el bajo presupuesto y los límites que tenía al ser realizado para la televisión.

El guión estuvo a cargo de otro especialista: Robert Bloch, autor de Psicosis y no hay nada más para agregar.

En el reparto un grupo de actores con mucha presencia en la pantalla de esos años, Merdith Baxter, Stuart Whitman, David Hedison (Viaje al fondo del mar), y el legendario John Carradine.

Para ver en una noche de lluvia.

La Liga de la Justicia Oscura

(Justice League Dark, Jay Oliva, 2017)

Cada tanto se nos despierta el espíritu juvenil y miramos algo de animación, en esta oportunidad atraído por el gran afiche de DC, correspondiente a La liga de la Justicia Oscura. Obviamente no deja ser un producto pensado para chicos y adolescentes, con mucha acción y explosiones, tal vez demasiadas, que hacen que algunos de los personajes no tengan mucho desarrollo y se pierdan entre tanto humo y destrucción.

Ante una amenaza sobrenatural que azota a los habitantes y a la ciudad, Batman une sus fuerzas con Constantine (verdadero protagonista), y otros superhéroes con capacidades mágicas: Zatanna, Swamp Thing, Etrigan y Deadman para acabar con la misma.

La verdad es que deja gusto a poco, y las peleas finales tampoco levantan la puntuación. Veremos alguna otra a ver que pasa.

Gretel & Hansel

 (Gretel y Hansel, Oz Perkins, 2010)

Nueva adaptación de un cuento clásico de los hermanos Grimm, y van… pero bueno, en esta producción hay varios elementos interesantes, la historia es bastante oscura y tétrica, y el cambio en el título es evidente y tiene su razón de ser, ya que Gretel es 8 años mayor que Hansel y es la absoluta protagonista de la historia, en la que debe recorrer peligrosos caminos y lidiar con una poderosa bruja, una vez que su madre los eche a ella y a su hermano del hogar porque no los puede mantener.

Gretel, tratando de proteger a su hermano y crecer como mujer, deberá descubrir los planes de la bruja en medio de ese bosque que amenaza con absorberlos.

Lenta y con muchos diálogos solemnes, la cinta cae en algunos momentos, pero la factura visual hace que no le perdamos mirada y disfrutemos de sus aires pesadillescos.

La presencia de Sophia Lilis, la Beverly de IT, da muestras de que es una buena actriz y hace que lleguemos al peculiar final.

Se puede ver.

The Fall: El sueño de Alejandría

 (The fall, Tarsem Singh, 2007)

El realizador indio Tarsem Singh, director de videoclips y de la mal olvidada La Celda con Jennifer Lopez, nos entrega esta vez una maravillosa historia dentro de otras historias, con un preciosismo visual sorprendente. Película arriesgada por su historia y por su forma de mezclar fantasía, realidad y sueños, es por otro lado una gran declaración de amor al cine.

Un doble en películas de acción resulta herido y forja una peculiar amistad con una niña que también se encuentra internada en el mismo hospital. Allí a cambio de que ella le consiga morfina, el hombre comenzará a contarle la historia de un grupo de héroes que quieren vengarse de un rey malvado. Entre relato y relato, la ficción y los personajes reales del nosocomio darán carnadura a los héroes en momentos tristes, divertidos, sin olvidar su moral.

Filmada durante cuatro años y en veinticinco países, The Fall no merece el olvido, a pesar de algunos momentos edulcorados y con algunas lagunas en el final. De todas maneras, es de visión obligatoria.

El Gordo y el Flaco

(Stan & Ollie, Jon S. Baird, 2018)

   Biopic homenaje a ese gran dúo cómico que naciera en los lejanos años del cine mudo. Con una mirada simpática y emotiva, la historia se centra en una gira que realizaron los cómicos por el Reino Unido, en años que ya se los consideraba retirados, y les costaba llenar los teatros.

   Un verdadero acierto es la recreación de época y de las mismas rutinas que llevaba a cabo el dúo. El director muestra una interesante reflexión sobre lo importancia de la amistad por sobre todas las cosas, en esos momentos en que las cosas no funcionaban muy bien entre Laurel y Hardy.

   Excelentes son las actuaciones de John C. Reilly y Steve Coogan que se meten en la piel de esos pioneros y nos hacen olvidar que no son los verdaderos.    

 Imprescindible para los amantes del cine y del humor de aquellos pioneros.

 

The Cloverfield Paradox

(The Cloverfield Paradox, Julius Onah, 2018).

   Tercer entrega de la saga Cloverfield, en la que intenta más o menos completar el imaginaria de la historia, dejando algunos huecos seguramente, para seguir con la franquicia.

   Con la Tierra sumergida en una crisis energética, se realiza una misión espacial internacional, con tripulantes de varias nacionalidades, con el objetivo de hacer funcionar un acelerador de partículas que pueda proporcionar energía infinita. Como es de esperar, el experimento no sale bien y allí… allí nos encontramos con muchos problemas y muchos pastiches. El film comienza a transitar por caminos muy conocidos en la ciencia ficción, desde Alien, Event Horizon o cualquier capítulo/film de Star Trek. 

   No da más ni mucho menos. Entretiene pero no deslumbra y eso que J.J Abrams está involucrado en el proyecto, pero esta vez parece que se quedó corto.

   Sólo para seguidores; y esperando que si hay una cuarta entrega sea mucho mejor.

La Horda

(La horde, Yannick Dahan, Benjamin Rocher, Francia, 2009)

   Y un día los zombis llegaron a Francia…

    Cuando un grupo de policías trata de vengar a uno de los suyos y se meten en la guarida de los malhechores, una horda de humanos infectados por algún virus, ingresa en el edificio y trata de devorarlos.

    Muy de clase “B”, el film tarda un poco en arrancar y debemos soportar la historia dramática del grupo de policías muy estereotipados, y eso que todavía no vimos a los malos que son groseramente delineados. Cargada de diálogos ampulosos y repetidos hasta en los dibujos animados, el guion es un mero pretexto para mostrar como el reparto debe sobrevivir corriendo por las escaleras del edificio que se asemeja a una cárcel.

   No tiene mucha originalidad la historia pero sí mucho gore y violencia. Aunque algunas veces las salpicaduras de sangre realizadas por computadora no quedan muy bien.

    Sólo para los que sean muuuyyy pero muy amantes del género “Z”.

Línea mortal: Al límite

(Flatliners, Niels Arden Oplev,  2017),

   Remake de un film de los 90´s protagonizada por Kiefer Sutherland, Julia Roberts y Kevin Bacon y dirigida por Joel Schumacher, todos nombres muy importantes dentro de la filmografía mundial, el film no levanta mucho vuelo en lo argumental, interpretativo o visual. Lo más interesante logran ser las tomas aéreas de la ciudad y no mucho más. El elenco, con algunos jóvenes interesantes, hace lo que puede con un guion que le falta bastante condimento...

   La posibilidad de revivir a una persona una vez que su corazón se ha detenido, brinda muchas variantes que el guionista y el director no han sabido o querido exprimir, dando por resultado un film descafeinado que apenas entretiene y no asusta nunca, ya que no se decide por ser un drama, uno de ciencia ficción o de terror.

   Ni siquiera la presencia de Kiefer Sutherland, injustificada ya que no aporta nada a la historia, y sólo se queda en un guiño, ayudan a la levantar el puntaje.

   Cinco puntos a duras penas. 

   Un nuevo despropósito.....    

Devastación /Rampage

(Rampage, Brad Peyton, 2018)

   Inspirada en un videojuego de los 80´s, Rampage es un pasatiempo sin grandes pretensiones, donde los efectos digitales son más importantes que la historia, sin embargo, los mismos no son tan espectaculares ni novedosos como para quedar en la memoria de los espectadores.

   Una vez más, Dwayne Johnson pone sus músculos para salvar al mundo, interpretando a un primatólogo que se enfrenta a una maligna corporación que hace experimentos genéticos siniestros. De aquí en más, nos encontraremos con un festival de explosiones, persecuciones y chistes malos, alguno grosero y no mucho más.

   El combo al que nos tiene acostumbrados Hollywood de acción, aventuras, heroísmo y diversión falla en varios puntos; ojalá Johnson y sus productores consigan mejores guionistas para sus próximas entregas, ya que las últimas vienen en picada… 

Anna y el Apocalipsis

 (Anna and the Apocalypse, John McPhail, 2018)

   Y llegamos a un film sólo apto para menores de 15 años. Sí, han leído bien, ya que esta producción inglesa es una comedia de terror musical con mucho de Glee (serie) o High School Musical (films de Disney), con la acostumbrada pandemia zombi que se desata en un poblado.

Por lo que nos encontraremos con unas bellas canciones pop que tratan sobre los problemas adolescentes, y algunas escenas gore de mutilaciones y pérdidas de cabezas.

   Cumple como un pasatiempo sin grandes aspiraciones, con cierta comicidad y con la aceptable elección de un casting poco conocido. Los únicos puntos en contra puedan ser la tardanza en que los infectados aparezcan en escena y la liviandad general en la historia que nunca alcanza a generar grandes emociones.

   El resto es disfrutar o no de este ataque zombi en plena navidad. Pero recuerde que es una producción demasiado adolescente.

Psychokinesis

(Psychokinesis/Yeom-lyeok, Yeon Sang-ho, Corea del Sur, 2018)

   Yeon Sang-ho, director de la más que interesante Train to Busan, vuelve con este film que bebe de las historias de dramas familiares, situaciones paranormales, comedia, abuso de poder por parte de los grupos económicos, e historia de superhéroe que no quiere ser, con la sensación de que no dio en el blanco.

   Un padre ausente que de la noche a la mañana adquiere poderes y debe enfrentarse a un grupo de matones que quieren quedarse con el barrio daba para más.

   Se deja ver, pero al no decidirse por la comedia o el cine de acción, el film va perdiendo interés a medida que pasan los minutos y los efectos especiales, aunque son bastante aceptables, no ayudan mucho.

   Mejor suerte la próxima vez. 

Valerian y la ciudad de los mil planetas.

 (Valerian and the City of a Thousand Planets, Luc Besson, Francia, 2017).

   Nueva incursión de Besson en el terreno de las grandes superproducciones y de la ciencia ficción. En esta oportunidad adapta un viejo comic de Pierre Christin y Jean-Claude Mézières, que se dice fue una de las inspiraciones de George Lucas para su Star Wars. Puede que sea cierto, puede que no, no voy a opinar de eso que no sé.  

   Sí puedo decir que las imágenes, escenarios y criaturas no tienen nada que envidiarle a las producciones made in USA, pero sí flaquea en el guión y en la construcción de algunos personajes que son demasiado caricaturescos frente a otros, y el film pierde seriedad; o en el mejor de los casos, decidirse por si es una comedia o no. Y ahí es donde reside el mayor problema del film, y sus 137 minutos se hacen demasiado largos. 

   Besson tiene mejores trabajos para ver. Este seguro que no lo es.

Rebelión en la Granja

(Animal farm, Joy Batchelor, 1954)

   Adaptación de uno de los libros más conocidos de George Orwell (junto a 1984), la película nos cuenta del levantamiento de los animales en contra de Jones, el granjero humano que los explota, y los problemas de clase que surgen entre ellos para tomar el control de la granja.

   Mordaz crítica hacia el socialismo, el film tiene varias lecturas y se puede ver, sin conocer que los animales representan a viejos líderes soviéticos y al capitalismo que corrompe sin miramientos.

   Muy alejada de los temas a los que nos tiene acostumbrados Disney, esta es una producción para ver con otros ojos, que seguramente habrá dado que hablar en esos años, y que de no haber quedado perdida, también lo estaría haciendo en este momento.

 Mirar el pasado para entender el presente y pensar el futuro es también vernos a nosotros mismos, y pensar que haríamos si las condiciones sociales cambiaran. 

¿Todos seriamos cerdos? ¿O caballos? ¿O algo más....?

¿Alguien sabe la respuesta?