Una nueva colaboración

 

Postales de un sábado de Feria

 

La mujer avispa

 

(The Wasp Woman, Jim Wynorski, 1995)

   Si la versión original de 1959 es un clásico del cine de serie B de bajo presupuesto, este remake de 1995 (producido nuevamente Roger Corman para su serie Roger Corman Presents) es un ejemplo perfecto del terror erótico y visceral que poblaba las madrugadas de la televisión por cable en los años 90.

   Dirigida por el rey del bajo presupuesto Jim Wynorski, esta versión cambia el encanto ingenuo de los 50 por una premisa más cínica, mordaz y sangrienta, en la que muestra la obsesión de la sociedad por la juventud eterna y los estándares de belleza inalcanzables.

    Janice Starlin (Jennifer Rubin), la dueña de un imperio de cosméticos en declive ve cómo sus ventas caen a medida que ella envejece. Desesperada por recuperar su atractivo y salvar su empresa, acepta ser el conejillo de indias de un científico que ha desarrollado un suero basado en encimas de avispa reina. El tratamiento es un éxito milagroso: Janice vuelve a lucir como una mujer de veinte años. Sin embargo, el suero tiene un efecto secundario catastrófico: por las noches, se transforma en una criatura insectoide sedienta de sangre.  

   The Wasp Woman es una cápsula del tiempo del cine de género de los 90. No intenta superar a la original en atmósfera, sino en impacto visual y erotismo. Es una película de monstruos sin más, que sabe que su público busca ver a una mujer hermosa convirtiéndose en un bicho asesino, y entrega exactamente eso. Es ideal para una sesión doble de "cine de medianoche" junto con otras joyas de la factoría Corman de esa década. No hay giros filosóficos ni nada por el estilo, la película sigue el camino marcado del "científico loco" y la "monstruo femenina" sin desviarse ni un milímetro.

Cuando el destino nos alcance

 

(Soylent Green, Richard Fleischer,1973).

   Esta una de las distopías más asfixiantes y proféticas de la historia del cine. Aunque se ambientaba en un entonces lejano 2022, verla hoy resulta escalofriante por lo acertado de su atmósfera de colapso ambiental y social.

   Basada libremente en la novela ¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio! de Harry Harrison, la película es una mezcla magistral de cine negro policial y ciencia ficción sociológica. Es una obra que no solo busca entretener, sino lanzar una advertencia desesperada sobre el rumbo de la humanidad.

   Nueva York, año 2022. La ciudad tiene 40 millones de habitantes. El calor es constante debido al efecto invernadero, el agua está racionada y la comida real es un lujo que solo el 1% puede pagar. El resto de la población sobrevive a base de raciones de Soylent, un alimento procesado por una corporación todopoderosa.

   Robert Thorn (Charlton Heston), un detective de policía cínico y endurecido investiga el asesinato de un ejecutivo de la corporación Soylent. Lo que parece un robo rutinario lo lleva a descubrir una verdad conspiranoica que cambiará su percepción de la supervivencia humana.

 

Lo que la hace una Obra Maestra:

• El Dúo Protagonista: Si bien Charlton Heston cumple perfectamente como el rudo detective Thorn, el alma de la película es Edward G. Robinson como Sol Roth, el "Libro" (un investigador que recuerda cómo era el mundo antes del desastre). Esta fue la última película de Robinson; el actor murió poco después del rodaje, lo que añade una carga emocional devastadora a sus escenas.
• La Escena de la "Eutanasia": Es, posiblemente, una de las secuencias más hermosas y tristes de la ciencia ficción. Ver a Sol despedirse del mundo mientras observa imágenes de una naturaleza que ya no existe, acompañada por música clásica, es un momento de una potencia lírica insuperable.
• El Retrato de la Desigualdad: La película es brutal al mostrar cómo la élite vive con aire acondicionado y chuletas de carne, mientras que a la gente pobre se la retira de las calles con excavadoras (las famosas "palas") como si fueran basura.
• El Final Icónico: Pocas frases han pasado tanto a la cultura popular como el grito final de Heston. Es un cierre que no ofrece consuelo, solo un horror absoluto sobre el ciclo de consumo humano.

    A diferencia de las distopías modernas llenas de efectos visuales limpios, aquí todo se siente sucio, sudoroso y claustrofóbico. La falta de recursos no se cuenta, se palpa en cada encuadre.

   Un clásico oscuro y pesimista que todo el mundo debería ver al menos una vez. Es cine con mensaje, pero con el puñetazo directo al estómago que solo el cine de los 70 sabía dar.

Holocausto 2000

 (Rain of fire/The chosen, Alberto De Martino, Ita, Uk, 1977)

   La película es un intento de mezclar el horror satánico de The Omen con el cine de catástrofes y un poco de paranoia nuclear. El resultado es una cinta que camina entre la seriedad absoluta y un collage de influencias. Es un ejemplo perfecto de lo que sucedía cuando la industria del cine europeo intentaba subirse al tren de un éxito de Hollywood con un presupuesto más ajustado y no mucho más.

   Robert Caine (Kirk Douglas), un poderoso ejecutivo industrial, planea construir una gigantesca planta de energía nuclear en el Medio Oriente. Lo que él ve como el futuro de la humanidad, otros lo ven como el cumplimiento de la profecía bíblica: la "bestia de siete cabezas" (que aquí son, literalmente, los siete reactores de la planta). Para colmo, su hijo Angel parece estar demasiado entusiasmado con el proyecto y empieza a deshacerse de cualquiera que se oponga a los planes de su padre.

   El problema es que por momentos la historia se siente como un panfleto antinuclear disfrazado de cine de terror, sin muchas sorpresas y mucho de rutina.

    Sin dudas lo mejor es la presencia de Kirk Douglas que pone todo en esta producción de serie B. Se toma la película tan en serio que su intensidad casi compensa las carencias del guion.

   Para destacar la música de Ennio Morricone y la escena del sueño de Kirk Douglas en la playa con la planta nuclear de fondo, muy surrealista y una rareza que parece salida de otro film.

   Holocausto es simplemente una película para ver un domingo por la tarde, o seguidores del cine de terror setentero.

El planeta salvaje

(La Planète sauvage, René Laloux, Francia, 1973)

   Más que una película de animación; es una experiencia surrealista, filosófica y visualmente hipnótica que marcó un hito en el cine de ciencia ficción europeo. Basada en la estética del ilustrador Roland Topor, es una obra que se ha convertido en un clásico de culto.

   Ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes, "El planeta salvaje" es una fábula distópica que utiliza la animación para explorar temas complejos como el racismo, la opresión y el derecho a la existencia.

   En el lejano planeta Yagam, viven los Draags, unos gigantes azules con ojos rojos y orejas de pez que poseen una tecnología y espiritualidad sumamente avanzadas. En este mundo, los humanos (llamados Oms) son considerados animales salvajes o, en el mejor de los casos, mascotas domésticas de los niños Draag.

   La trama sigue a Terr, un Om que es adoptado por una joven Draag. Gracias a un dispositivo de aprendizaje electrónico de su dueña, Terr adquiere conocimientos científicos y filosóficos que los Draags creían que los humanos no podían procesar. Tras escapar, Terr utiliza este conocimiento para organizar una resistencia y luchar por la libertad de su especie.

Lo que la hace una obra maestra:

    La historia invita a la reflexión sobre cómo tratamos a los animales y cómo las estructuras de poder utilizan la supuesta "superioridad intelectual" para justificar la tiranía. Es un comentario crudo sobre la deshumanización.

   Aunque su ritmo es pausado, cada cuadro está lleno de detalles que expanden el universo de la historia.

   Es fascinante ver cómo el conocimiento se convierte en la herramienta definitiva de liberación. En un mundo de gigantes, la única forma de que los pequeños sobrevivan es a través de la educación y la unidad. Es una pieza imprescindible para cualquier amante del cine que busque algo que desafíe su percepción visual y su conciencia social.

   Una joya de la animación experimental. Extraña, hermosa y profundamente provocadora.

Vivarium

 

(Vivarium, Lorcan Finnegan, USA, 2019)

Vivarium es un ejercicio de ciencia ficción existencialista, que se siente como un episodio alargado de Black Mirror con una dosis pesada de angustia suburbana.

   La película comienza presentando a una joven pareja que busca la casa perfecta para formar su futuro. Su búsqueda los lleva a una inmobiliaria peculiar, donde un agente extrañamente servil los convence de visitar Yonder, una urbanización recién construida y totalmente uniforme, donde todas las casas son idénticas y de un color verde menta enfermizo.

Al llegar a la casa número 9, el agente desaparece, dejando a Gemma y Tom atrapados en un laberinto infinito de calles idénticas y casas vacías. Su prisión se convierte en una pesadilla existencial cuando una caja misteriosa les entrega un bebé, con la nota: "Críen al niño y serán liberados".

   El gran valor de Vivarium reside en su crítica social brutal envuelta en terror: la monotonía de la vida tradicional, adulta, donde la ambición se consume por la rutina, la hipoteca y la repetición interminable de los días.  

   Sólo para amantes de distopías psicológicas con mensaje social, dispuestos a tolerar un ritmo pausado, sin acción ni respuestas fáciles.  

La invasión de los hombres del espacio

(Invasion of the Saucer-Men, Edward L. Cahn, 1957)

   Es un pequeño clásico de la ciencia ficción y el terror de Serie B de los años 50, producido por la legendaria American International Pictures (AIP).

   La trama se desarrolla durante una sola noche. Todo comienza cuando una pareja de adolescentes, Johnny y Joan, atropella accidentalmente a un pequeño alienígena mientras se dirigen a Lover's Point. Al ir a buscar ayuda, los compañeros del alien (de grandes cabezas bulbosas y ojos protuberantes) intentan encubrir el incidente: asesinan a un oportunista local y utilizan su cuerpo para culpar a los jóvenes de homicidio vehicular. Los adolescentes intentan advertir a la policía, pero al no ser creídos por los adultos incompetentes, recae en ellos la responsabilidad de detener a los invasores.

   Los alienígenas bizarros son las verdaderas estrellas. Con sus cabezas gigantescas y venosas, y sus ojos enormes, son una creación inolvidable del genio de los efectos de bajo presupuesto, Paul Blaisdell.

   Aunque la película se inició con un tono más serio, rápidamente devino en una comedia de terror de bajo presupuesto. El resultado es una peculiar y divertida burla a la paranoia de la época, que presenta a los adultos como figuras ineptas (policías y militares) y a los adolescentes como los únicos héroes capaces de salvar el día.

   Los momentos más peculiares son ya icónicos de culto: alienígenas inyectando alcohol puro con sus uñas de aguja, o un toro de granja que se enfrenta a ellos. La película abraza su premisa más inverosímil con entusiasmo.

   Este es un ejemplo de producción de muy bajo presupuesto, pero su creatividad y estilo desenfadado lo convierten en un film fundamental dentro del género, sentando las bases para mucho del cine de monstruos y alienígenas que vendría después.

 "No sé qué día nací ni a qué hora, pero lo hice en el interior de una pecera, por medio de huevitos que venían dentro de un sobre metalizado, parecido al Uvasal.

Yo era como muchos otros, igual a los que venían en ese paquetito, hasta que me hicieron algo, pero eso es otro tema que comentaré más adelante."


De "Los escritos perdidos de un sea monkey", Petricor ediciones 2025.

¿Sea Monkey? Descubriendo al Protagonista Oculto

La otra tarde, en una conversación con varias personas, me di cuenta de algo sorprendente: muchos no sabían qué es un "Sea Monkey", a pesar de ser el personaje central de mi último libro.

Este pequeño vacío de conocimiento me impulsó a hacer esta breve introducción. Si el término te resulta ajeno o solo te suena vagamente a publicidad de los 70, te invito a conocer a esta fascinante criatura.

Antes de sumergirte en mi historia, es justo saber quién es realmente este "Mono Marino" que ha capturado mi imaginación (y la de una generación). Es hora de presentar a este ser diminuto que tiene una historia tan grande...

¿Qué es realmente un "Sea Monkey"?

Para muchos de nosotros, los Sea Monkeys son más que un simple crustáceo; son una cápsula del tiempo, un recuerdo encapsulado de la infancia. Estas pequeñas criaturas son, científicamente hablando, artemias salinas, diminutos crustáceos que nacen de huevos secos. El truco, la magia que nos fascinaba, era su resurrección: solo necesitaban el contacto con agua salada para eclosionar y cobrar vida. Se comercializaron como la "mascota instantánea" bajo el pegadizo nombre de "Sea Monkeys" (Monos Marinos).

Recordemos esa propaganda, el anzuelo que picamos con tanta ilusión:

«Sólo añade agua y deja que la diversión surja. Las únicas mascotas vivientes que tú crías. Los «Sea Monkeys» ya están aquí y no sabemos qué hacer con ellos. Graciosos, divertidos, con colas de monos, verdaderos acróbatas acuáticos, juguetones hasta el cansancio y fáciles de criar».

Esa promesa, esa imagen de un acuario lleno de seres casi humanos, acrobáticos y juguetones, desató un auténtico furor a finales de los años 70 (y en décadas posteriores). Pocos pudimos resistir la tentación.

 

La desilusión agridulce

El fenómeno, impulsado por una campaña publicitaria brillante y un poco desmedida, fue tan impactante como efímero. La realidad del "Sea Monkey" –pequeños puntos moviéndose en un tanque– rara vez estaba a la altura de la imagen caricaturesca y gloriosa que nos habían vendido.

Fue tal la llegada que tuvo el producto a nuestros hogares que, hoy en día, para muchos de quienes superamos ya la barrera de los 30, los Sea Monkeys han quedado grabados como uno de esos primeros y grandes engaños del consumo infantil. Una lección temprana sobre las promesas de la publicidad.

A pesar de la desilusión de la niñez, la artemia salina sigue vendiéndose en todo el mundo con su nombre icónico. Se ha transformado en una alternativa curiosa para aquellos que viven en las grandes ciudades, ofreciendo un pequeño atisbo de vida acuática donde las mascotas tradicionales son inviables. Y para nosotros, siempre serán ese pequeño misterio que, por unos días, nos hizo sentir como dioses de la creación en miniatura.

Gran Jornada en Espacio Terror

 

Y ya está disponible,

 

Volvimos a Sonámbulo

 

Black Widow

 

Highlander, el último inmortal

 (Highlander, Russell Mulcahy, U.K, 1986)

Un clásico de la década que generó varias secuelas y una serie. Una raza de inmortales que vive oculta entre los hombres y debe pelear entre sí hasta que sí hasta que sólo quede uno fue un gran éxito. La carismática actuación de Sean Connery, que se roba la película, junto al ascendente Christopher Lambert, conformaron una gran pareja cinematográfica de maestro/alumno como pocas. Si a esto le sumamos una gran fotografía, imágenes video-cliperas y la música de Queen, ¿Cómo podría fallar?? No falló, como dije antes fue un boom e infaltable en las estanterías de los VHS, pero en estos tiempos de pandemia volví a verla, y… comprobé nuevamente que el tiempo es tirano… Que torpes son algunas peleas, que mala las actuaciones, que guion poco consistente en la relativa época actual que representa el film, personajes caricaturizados groseramente, y ni hablar de las miradas que pretender ser serias de Lambert, que le hacen parece que tiene algún problema de miopía…

Pero bueno, si dejamos estas cosas a un costado, la película todavía tiene algo de su magia y se deja ver, pero… ¡Qué lejos quedaron los 80`s!

Invasores de Marte

 

 (Invaders from Mars, Tobe Hooper, 1986)

Remake de un clásico de 1953, es un producto apto para todo público y destinado para público pre-adolescente. Sorprende que Tobe Hooper, director de La Masacre de Texas, Poltergeist, Fuerza Siniestra y la adaptación de Salem´s Lot, haya realizado este film, tan light. Cosas que pasan.

La invasión del título se produce en una noche de tormenta, y el único testigo que vio bajar la nave es un niño. Como es de esperar, nadie le creerá, ni sus padres que irán a investigar el suceso y volverán cambiados.

La película mantiene cierto interés hasta la mitad de su metraje, pero luego todo se irá cayendo, sin sorpresas, con el ejército y soldados de cartón a los que no se les cae una idea, y con algunas criaturas de plástico un tanto ridículas.

Sólo para curiosos de los años 80`s.

Frases de Acido Sulfúrico, 2da parte

 

Ácido sulfúrico

(Amélie Nothomb, Acide Sulfurique, 2005)

   En el marco de un cruento reality show, la autora nos cuenta de un mundo no muy lejano, en el que los concursantes son secuestrados y obligados a hacer de víctimas y verdugos de acuerdo a sus perfiles psicológicos, dividiéndose entre kapos y prisioneros.

   Todo castigo es válido mientras aumente la audiencia, y en medio de la brutalidad, una kapo se siente atraída por una de las prisioneras, líder por belleza y carisma, y amada por los espectadores.

   Interesante propuesta que se deshilacha a medida que avanza el relato y nos deja con un sabor agridulce, por lo que podía haber sido y no fue, donde parece que la autora no quiere afilar su pluma y llega a una resolución Hollywoodense.

   Mi primer libro de Nothomb, veré que pasa con el próximo.

“Vivir” Ayn Rand

(Ayn Rand, también conocida como Himno/Athem, 1938)

   Corta novela distópica, donde un estado totalitario se ha impuesto después de un conflicto global, y en la que los ciudadanos carecen de nombre y sólo se los conoce por un número. Ignorante de los conocimientos anteriores y de cultura, los habitantes son elegidos para realizar un trabajo designado hasta el fin de sus días, en pos de un bienestar general que no es tal, orientado por un Consejo de Sabios.

   Pero, Igualdad 7-2521, comienza a hacerse preguntas y a cuestionar ese estilo de vida, que lo llevará a realizar actos prohibidos en busca del conocimiento negado, y por consecuencia enfrentar al poder que los somete.

   Crítica en aquellos años del sistema ruso, Vivir es un relato que se anticipa a 1984 de George Orwell y hereda algunas de las reflexiones de Un mundo feliz de Aldous Huxley.

   En la web está disponible. No se la pierdan.

Frases de "Ácido Sulfúrico" de Amelie Nothomb